Im Krähenmuseum führen einfache Funktionen zu atemberaubenden Formen japanischer Kunsthandwerker

May 05, 2023

Die Ausstellung „Japan: Form & Function“ füllt das Crow Museum of Asian Art mit fast 250 Objekten. Basierend auf der umfangreichen Privatsammlung von Jeffrey Montgomery ist „Form & Function“ die größte Ausstellung japanischer Kunst, die das Museum jemals gezeigt hat: Alle sechs Galerien sind gefüllt – und das wird auch ein ganzes Jahr lang so bleiben.

Trotz des Umfangs und der Vielfalt der Ausstellung (sie enthält Statuen und Futons, Sake-Gläser und Kleidung) hat „Form und Funktion“ einen eindeutigen und sehr japanischen Schwerpunkt: Sie beleuchtet nicht höfische Kunst, sondern das Selbstgemachte, das Bescheidene, die Alltagsgegenstände die eine ganz eigene Klarheit und Schönheit haben.

Viele davon wurden für eine tägliche Aufgabe oder einen täglichen Bedarf hergestellt. Eine Bauernjacke. Ein Wasserkrug. Ein Rucksack. Und diejenigen, die in traditionelle Kunstgenres passen könnten – Statuen, Porträts, Kampfszenen –, deren Schöpfer waren keine „Künstler“ im modernen, westlichen Sinne. Sie lebten meist in Dörfern und bleiben namenlos. Das sind die „Leute“ in der Volkskunst.

Die Japaner haben mehrere verwandte Begriffe für die gesamte Ästhetik dessen, was wir „traditionelle Handwerkskunst“ nennen könnten. Wabi-sabi zum Beispiel bedeutet, das Nebensächliche, das Unvollendete wertzuschätzen. Hier stehen Keramikschalen und -gefäße, die aussehen, als wären sie hastig hergestellt oder einfach nur verkohlt.

Gleichzeitig besitzen viele Objekte die atemberaubende Klarheit und Verarbeitung des modernen Minimalismus. Doch sowohl die vermeintliche Sorglosigkeit als auch die fast maschinelle Präzision beziehen sich tatsächlich auf japanische Traditionen des Schönen, des „Natürlichen“.

Der spezifische Begriff, der in „Form und Funktion“ hervorgehoben wird, ist Mingei, was üblicherweise mit „Volkskunst“ oder „Kunst des Volkes“ übersetzt wird. Es gab der Mingei-Bewegung ihren Namen, einer Wertschätzung und Befürwortung solcher Handarbeiten im 20. Jahrhundert.

Tatsächlich hat Luigi Zeni, Kurator der Ausstellung, „Form und Funktion“ nach verschiedenen Provinzen geordnet und dabei verschiedene Stile mit Bereichen lokalisiert, die ihre eigenen Techniken entwickelt haben. Man kann das Ganze aber auch nach Material betrachten: Es gibt hier jede Menge Holz-, Metall- oder Steinobjekte, aber es gibt ganze Galerien, die sich nur der Keramik oder nur den Stoffen widmen.

Insbesondere verfügt die Ausstellung über drei Galerien, die fast immersive Vitrinen darstellen. Der erste ist Textilien gewidmet. Besucher werden mit Futons an den Wänden begrüßt, während Reihen von Kimonos mit ausgebreiteten Armen aufgehängt sind, wie eine einladende Menschenmenge, die den Raum füllt.

Nicht nur die Vielfalt an Designs und Farben beeindruckt, sondern auch der konkrete Verwendungszweck vieler davon: ein Unterkleid, eine Steppjacke für den Feuerwehrmann. Wie Zeni während der Pressevorschau betonte, war es für die Japaner üblich, unterschiedliche Wege zu finden, ein Stück Stoff zu verwenden und wiederzuverwenden, bis es schließlich als Putzlappen verwendet wurde.

Die zweite beeindruckende Galerie zeigt zwei farbenfrohe, großformatige Banner, die legendären Konflikten in der japanischen Geschichte gewidmet sind: der Schlacht von Ichi no Tani (1184) und der Schlacht am Fluss Imjin (1592). Die Schlachten haben Bühnenstücke, Paravents, Holzschnitte und sogar Videospiele inspiriert.

Die Bilder und die Erzählung waren dem typischen japanischen Betrachter also gut bekannt, aber dies ist möglicherweise das erste Mal, dass diese beiden Banner zusammen gezeigt werden – und zwar mit diesem Effekt. Sie verteilen sich über drei Wände in der Galerie. Im Gegensatz zum makellosen Minimalismus, der anderswo herrscht, ist der Besucher hier von überfüllten, aufeinanderprallenden, rauschenden Farbwirbeln umgeben: frühes japanisches Cinerama.

Die dritte Galerie bietet eine große Auswahl an Haushaltswaren: Laternen, Statuen, Futons, Keramik. Mit Mingei konnten japanische Handwerker einen Topfhaken in eine kühne, blockige Holzskulptur verwandeln.

Einige der Prinzipien der Mingei-Bewegung mögen wie die Arts-and-Crafts-Bewegung im England des 19. Jahrhunderts klingen. Beide schätzten die Klarheit und die Würde handgefertigten Designs – auch wenn einige Produkte auch reich verziert waren. Yanagi Soetsu, der Philosoph und Kritiker, der in den 20er Jahren die Ideen hinter Mingei entwickelte, plädierte für Einfachheit, Anonymität und „Ehrlichkeit“. Der Titel seiner gesammelten Aufsätze: Die Schönheit der alltäglichen Dinge.

Auch Soetsu bestritt jeglichen westlichen Einfluss. Aber die Mingei-Bewegung entstand, ähnlich wie Arts and Crafts, teilweise als Gegenentwurf zu modernen, industrialisierten Gütern und teilweise als eine Form des Nationalismus, der auf die Wurzeln zurückgeht (gegen ein sich eifrig verwestlichtes Japan).

Minimalismus hat fast immer eine asketische Qualität, ein Streben nach Reinheit. Die Bewegung war also inspirierend in ihrer Ablehnung des Höfischen und Kaiserlichen. Aber es war auch konservativ, wenn es darum ging, das „Authentische“ im japanischen Dorfleben zu verorten.

Denken Sie in Amerika an Blues oder Country-Musik. Hin und wieder blicken Künstler zurück und finden eine vermeintliche Reinheit, eine ursprüngliche Wahrheit.

Oder oft einfach nur eine frische Inspiration.

„Japan: Form und Funktion“ im Crow Museum of Asian Art bis April 2024.